궈페이 역사: 자수로 짓는 의상과 공간
자수와 직물, 거대한 윤곽으로 만드는 무대.
ÉPOPLI ·
노란 옷 두 벌을 구별하기
궈페이 역사는 금빛 드레스 두 벌을 구별하는 데서 시작할 수 있다. 2015년 메트 갈라에서 리한나가 입은 노란 옷은 2009년 1002 Nights의 옐로 퀸이다. 2006년 삼사라의 다진과는 다른 작품이다. M+가 기록한 옐로 퀸의 무게는 25킬로그램, 뒤로 이어지는 트레인은 4미터에 이른다. 여기서 트레인은 바닥을 끌도록 길게 만든 옷자락을 말한다. 착용자의 몸보다 훨씬 넓게 펼쳐진 면은 걷는 속도와 주변 사람의 거리를 바꾼다. 이 옷을 장식이 많은 이브닝드레스로만 설명하면 중요한 부분이 빠진다. 입는 사람과 그를 바라보는 공간을 함께 설계한 의상이기 때문이다. 이 글이 묻는 것은 자수와 부피가 어떻게 한 사람의 등장을 하나의 장면으로 만드는가이다. 레드카펫 사진의 유명세 이전에 만들어진 작품이라는 사실도 중요하다. 그날의 행사를 위해 급히 만든 신작이 아니라, 이미 축적된 작업이 새로운 무대에서 다른 관객을 만난 경우였다.
기성복에서 로즈 스튜디오로
궈페이 역사의 출발점은 1967년 베이징 출생과 개혁개방기의 의류 교육에 있다. 1986년 베이징 공업무역기술학교를 졸업한 뒤 기성복 분야에서 일했고, 1997년 베이징에 로즈 스튜디오를 세웠다. 공식 약력은 어린 시절 어머니의 바느질을 돕고 할머니에게 오래된 혼례복 이야기를 들었던 경험을 전한다. 그러나 성인이 된 뒤의 옷을 그 기억 하나로 환원할 수는 없다. 약 10년에 걸친 기성복 경험과 고객의 몸에 맞추는 주문 제작이 함께 기반이 됐다. 로즈 스튜디오는 완성된 그림을 공장에 넘기는 곳보다 자수와 재단을 함께 발전시키는 작업장에 가깝다. 중국의 오래된 옷에서 얻은 문양을 새로운 드레스 형태에 옮기려면, 평평한 천에 놓인 무늬가 굴곡진 몸에서 어떻게 이어지는지도 해결해야 했다. 일상의 생산 경험을 떠난 상상이 아니라 그 경험 위에서 제작 시간을 크게 늘리는 선택이었다.
다진의 패널과 바늘땀
궈페이 역사에서 2006년 삼사라의 다진은 이러한 선택을 눈에 보이게 한다. 싱가포르 아시아문명박물관 자료에 따르면 길고 좁은 패널마다 연꽃과 덩굴무늬를 놓아 방사형으로 펼친 작품이며, 약 5만 시간의 제작 노동이 들어갔다. 금속실 자수는 금색 천 위에 무늬를 더하는 수준을 넘어 표면 전체의 빛과 밀도를 만든다. SCAD가 기록한 재료에는 금실과 은실, 구리, 와이어가 포함된다. 자르도지는 금속실을 활용하는 장식 기법으로, 이 드레스의 중국과 서아시아를 잇는 제작 언어를 이해하는 한 단서다. 패널이 아래로 넓어지므로 작은 상체와 거대한 밑단의 대비가 분명해진다. 박물관이 소개하는 연꽃은 장식 단위인 동시에 삶의 순환이라는 컬렉션 주제를 연결한다. 작업 시간을 가격이나 우열의 척도로 보기보다, 같은 모티프를 수없이 반복해 단단한 입체로 바꾼 과정으로 읽을 수 있다. 금속실 자수의 축적이 곧 실루엣을 지탱하는 시각적 무게가 되는 사례다.
여러 손이 만드는 한 벌
궈페이 역사는 로즈 스튜디오의 장인들과 떨어져 있지 않다. 아시아문명박물관은 자수사들이 옛 자수 작품을 연구하고 다시 해석하며 기술을 익힌다고 설명한다. 작가 한 사람의 이름으로 발표되는 의상 뒤에는 실의 굵기와 바늘땀을 조절하는 여러 손이 있다. SCAD가 소개한 삼사라의 울과 실크 코트는 뾰족한 칼라와 등 뒤의 군복식 단추, 자수 꽃과 부드러운 스커트를 함께 놓는다. 나폴레옹 시대 군복을 본 경험이 남성 제복의 복제가 아니라 서로 다른 촉감을 배치하는 방식으로 이어진 것이다. 의상과 공간의 관계는 여기서도 드러난다. 코트의 엄격한 선이 몸을 세우고 아래의 천은 움직임을 받아들인다. 2008년 베이징 올림픽 시상식 의상과 방송 무대의 주문 작업 역시 이 경력의 일부다. 거대한 쇼피스와 실제 행사복을 오가며, 멀리서 읽히는 형태와 가까이서 드러나는 바느질을 서로 다른 조건에 맞춰 조절했다.
성당과 직물 생산자의 만남
궈페이 역사의 또 다른 전환은 2015년 파리 사무소 개설과 2016년부터 이어진 쿠튀르 발표다. 2017년 봄여름 레전즈는 스위스 장크트갈렌 성당에서 받은 인상을 옷으로 옮겼다. NGV의 전시 기록은 직물 회사 야코프 슐레퍼의 마르틴 로이톨트가 성당 방문을 권했고, 이후 맞춤 직물 개발에 참여했다고 밝힌다. 엔젤 가운은 천장화에서 출발한 실크를 사용한다. 레드 가디스는 금속 섬유를 짠 실크로 만들어졌고, 카르멘 델로레피체가 마지막 의상을 입었다. 성당에서 가져온 것은 외벽 모양 하나가 아니라 빛과 어둠, 금속의 반사, 몸을 둘러싼 규모감이었다. 직물 협업은 건축적 의상을 가능하게 한 구체적인 제작 단계다. 자수만 늘려 장엄함을 표현한 것이 아니라 천 자체의 성질을 바꿨다는 점에서 다진과 비교할 만하다. 같은 금빛이라도 표면에 실을 쌓는 방법과 금속 섬유를 짜 넣는 방법은 움직일 때 다른 결과를 낸다.
건축에서 자연의 윤곽으로
궈페이 역사를 2018년 작품들과 나란히 보면 건축적 의상이 하나의 고정된 양식이 아님을 알 수 있다. 가을겨울 라르시텍튀르는 건축을 몸 주변의 구조로 다뤘고, 같은 해 엘리시움은 뿌리와 꽃, 가지가 얽힌 자연의 세계를 펼쳤다. M+ 전시에 소개된 골드 보트도 엘리시움의 작품이다. 직선과 아치로 짓는 공간뿐 아니라 자라나고 휘어지는 형태도 몸을 둘러싸는 틀이 된다. 여기서 의상과 공간의 관계는 드레스를 건물처럼 보이게 하는 데 그치지 않는다. 관객이 어느 방향에서 보고, 부풀린 면과 빈 공간 사이를 어떻게 읽는지가 달라진다. 2017년의 직물 협업이 회화와 건축의 표면을 옮겼다면, 이 작품군은 몸과 그 주변에 생기는 윤곽을 비교하게 한다. 커다란 규모만 보면 서로 비슷한 옷처럼 보이지만, 무늬가 시선을 끌어가는 방향과 실루엣의 중심이 다른 작업들이다.
박물관과 현재의 작업
궈페이 역사는 런웨이 이후 박물관에서 다시 읽히고 있다. 2024년 9월부터 2025년 4월까지 열린 M+ 전시는 로즈 스튜디오의 40여 작품을 미술관 소장품과 함께 배치했다. 익코 요코야마와 웬 비, 만킷 라이의 기획은 옷을 유명인의 착용 사진에서 떼어 내 회화·디자인과 비교하도록 했다. 2026년 10월 확인한 공식 사이트는 2026년 봄여름 길터니티: 영원한 광채 컬렉션을 별도 갤러리로 공개하고 있다. 따라서 과거 메트 갈라의 한 장면으로만 활동을 마무리해서는 안 된다. 오늘 작품을 읽을 때는 먼저 실루엣을 보고, 다음으로 그 실루엣을 만드는 천과 바느질을 살피는 순서가 유용하다. 눈부신 표면이 관객의 관심을 붙잡지만, 그 뒤에는 패널을 연결하는 재단과 장인의 반복 노동, 직물 생산자와 모델의 기여가 있다. 오랜 제작 기술은 보존된 유물처럼 머무르지 않고 새로운 크기와 무대 속에서 다른 역할을 얻는다.
주요 연표
- 1967 — 베이징 출생
- 1986 — 의류 교육 과정 졸업
- 1997 — 로즈 스튜디오 설립
- 2006 — 삼사라 발표
- 2009 — 옐로 퀸 제작 연도(M+ 기록)
- 2015 — 리한나 착용과 파리 사무소
- 2017 — 레전즈
- 2026 — 길터니티 공식 갤러리
참고 자료
- M+ exhibition press release
- Official biography
- Asian Civilisations Museum: Chinese Art & Couture
- SCAD: Guo Pei
- NGV Triennial labels (PDF)
- M+ exhibition
- SS2026 Gilternity